e-Repositori UPF :: Màster en Estudis de Cinema i Audiovisual Contemporanis. Treballs d'assignatures

Recent Submissions

Metraje-error
(2025) Bordanove, Bea
El metraje-error es una imagen que fracasa en serlo: no informa, no entretiene, no vigila. Sin embargo, existe, expresa y forma parte del imaginario colectivo. Esta investigación es una ontología y manifiesto a favor de este tipo de metraje que escapa por completo las posibilidades de capitalización y que, por tanto, es capaz de crear nuevas lógicas de pensamiento basadas en la empatía alrededor de las imágenes basura. Ante la urgencia de un nuevo régimen visual menos hostil, investigar el metraje-error implica abogar por la podredumbre de todas las cosas y confiar en las posibilidades de apertura que ofrecen los errores y grietas en el metraje digital. Este texto pone a dialogar los metrajes-error de piezas consagradas de Farocki, Herzog y Varda, entre otros, con varias obras audiovisuales que escapan a las doctrinas académicas encontradas sobretodo en YouTube y en varios directorios de videovigilancia.
Intersecciones entre ficción y realidad en la iconografía de la catástrofe urbana: el motivo visual del individuo en soledad ante la ciudad devastada
(2025) García Núñez, Elena
Alegorías de una memoria rota
(2025) Urrutia Ruiz, Marina
El presente trabajo explora la construcción de una temporalidad anacrónica sedimentada por fragmentos de memoria en el cine rumano contemporáneo, a partir del análisis de Malmkrog (Cristi Puiu, 2020), Întregalde (Radu Muntean, 2021) y R.M.N. (Cristian Mungiu, 2022). A través de estos tres relatos situados en Transilvania y ambientados en torno a la Navidad, se indaga en las formas mediante las cuales el cine rumano se convierte en dispositivo de condensación histórica y espectral. El paisaje deviene forma latente; el tiempo, pliegue; la imagen, un territorio de persistencias traumáticas enmarcadas en clave alegórica. Lejos de linealidad, estas películas despliegan geografías del desencuentro, donde la historia no cesa de insistir en forma de síntoma. El cine rumano reciente articula una estética de la supervivencia en la que pasado, presente y futuro se imbrican de manera sináptica, abriendo heridas temporales que la imagen no clausura, sino evidencia.
Mirar dentro y fuera de toda sincronía: El encuentro espectral en Aftersun (Wells, 2022), All of strangers (Haigh, 2023), Petite Maman (Sciamma, 2021) y The eternal daughter (Hogg, 2022)
(2025) Cebrián Fernández, Ariadna
Este trabajo analiza cómo cuatro películas del cine europeo contemporáneo - Aftersun (Charlotte Wells, 2022), All of us strangers (Andrew Haigh, 2023), Petite Maman Céline Sciamma, 2021) y The eternal daughter (Joanna Hogg, 2022) - articulan el encuentro entre el fantasma de un padre, una madre o de ambos y de un hijo o una hija desde una perspectiva sincrónica anacrónica.
Los gestos interrumpidos o cómo representar al campesinado en su desaparición
(2021) Villarmea Sancho, Alba
El nacimiento del cine a finales del siglo XIX coincide con las últimas décadas de la civilización campesina en que la mayoría de actividad económica de los países se concentraba en el mundo rural. Los gestos del campesinado, representado hasta la fecha en la pintura, la escultura o la literatura a través de sus acciones de trabajo (la siembra, la siega, la cosecha), quedan interrumpidos: las ficciones y documentales los cercenan en nombre de la mecanización y la alfabetización. La representación de toda una generación rural queda suspendida ante la desaparición progresiva de una constelación caduca de gestos y la introducción de otros nuevos. Este trabajo investigará los lugares en los que la herida de desaparición se hace visible en el cine español a través de la investigación de dos fuentes clave: el archivo de documentales pedagógicos producidos por el Servicio de extensión Agraria del Régimen franquista y algunas de las principales ficciones que retratan el rural de esta misma época. Pretendemos así hacer dialogar las dos fuentes modelando un nuevo recorrido de gestualidades atravesadas por la pérdida.
El universo en una habitación: de la cultura de dormitorio a las habitaciones conectadas
(2021) Villarmea Sancho, Alba
Los miedos despertados tras la Segunda Guerra Mundial en el norte global motivan a padres y madres a confinar a sus hijas adolescentes en sus habitaciones. La cultura popular juega un rol muy importante en involucrarlas en tareas rituales alrededor de sus cuerpos, que se disfrutan en la habitación propia o la de la amiga y que las adolescentes reaprovechan como una parcela de producción de la identidad. Más adelante, con la aparición de internet y las redes sociales, la identidad se desborda hacia un nuevo mundo digital que constituye una prolongación de la propia habitación así como una vía de acceso al espacio público. Desde los años 50, el cine dirigido a las adolescentes como grupo de consumo ha recogido estas intuiciones dando a la habitación femenina un lugar privilegiado a la hora de representar la identidad de estas jóvenes. En este ensayo investigaremos cómo cambia la representación del cuarto propio tras la entrada de la tecnología, también exploraremos qué relaciones entre adolescentes y tecnología se fomentan con estas representaciones.
La imágen fílmica de Ventura: consideraciones sobre un método interpretativo propio y una posibilidad alternativa de estrellato
(2020) Pardo Garrido, Juan Miguel
Ventura y los demás residentes del barrio de Fontaínhas representan un caso peculiar de presencia fílmica y hacen gala de un método interpretativo propio. Lo que un principio podría parecer una gestualidad hierática, destinada a generar una distancia y una visibilidad, esconde una emocionalidad enterrada y mnemónica. Las interpretaciones de Ventura están de algún modo más cerca del método que de los postulados de Brecht y, así pues, el trabajo de Pedro Costa no es tan bressoniano como podría parecer. Para Costa, Ventura lo es todo y la película gira siempre en torno a su figura. Cabe preguntarse entonces, ¿pueden ser todos estos actores miembros de un star system alternativo? En este ensayo se tratarán y desarrollarán estas hipótesis, partiendo de escritos sobre actuación y estrellato de James Naremore y Richard Dyer.
Análisis del motivo visual de la iglesia
(2020) Pardo Garrido, Juan Miguel
El motivo visual de la iglesia es recurrente en el cine europeo, indudablemente resignificado por fronteras y épocas. En este ensayo se buscará hacer un seguimiento y un análisis de la aparición de este motivo en la obra de varios directores europeos (y alguno foráneo). Se tomará el sentido de iglesia como hierofanía desarrollado por Mircea Eliade para definir el espacio que ocupa este edificio capital y para analizar como su destrucción o reconstrucción pueden alterar su función de consagrar un espacio.
Ver (lo mismo) dos veces: la repetición narrativa como acto performativo
(2021) Sánchez Martínez, Adrián
Este trabajo pretende trazar una cartografía de la repetición como ejercicio performativo en el cine narrativo. Partimos de la hipótesis de que cierto sector del cine contemporáneo de las últimas décadas utiliza la repetición del relato, en ocasiones ligada a una repetición iconográfica, para liberar al cuerpo de su condición sígnica en relación al mundo diegético en el que está inmerso. Así, el acto de la mímesis no encuentra su razón de ser en la configuración de un universo autónomo desligado de lo cotidiano, sino en la participación en el ritual performativo del rodaje. En este sentido, el objetivo del artículo es señalar que no toda narración pide una lectura semiótica, como se ha argumentado repetidamente en el ámbito de los estudios visuales, sino que todo depende de la carga dramática de los cuerpos en relación a la historia. Es en este contexto que la narración repetida cobra valor.
Deconstruyendo a Ofelia: una aproximación al personaje como arquetipo y sus manifestaciones en la cultura visual
(2021) Larumbe Villarreal, Edurne
Transformada en mito de inocencia y virtuosismo de la bella inválida que muere virgen durante el Romanticismo inglés, Ofelia se ha convertido en un referente iconográfico sumamente reconocible. Su rol a lo largo de su recorrido iconográfico, en la mayoría de ocasiones, ha quedado relegado a un lugar secundario y pasivo en el que carece de potestad para con su propio destino. Sin embargo, lo que este paper propone es poner en crisis ese concepto y dilucidar si la contemporaneidad ha traído consigo nuevas lecturas que, desde lo iconográfico, problematicen esta visión pasiva del arquetipo.
Camino de ida y vuelta: identidad y recuerdo en Los Rubios y My Mexican Bretzel
(2021) Larumbe Villarreal, Edurne
Genealogías y ramificaciones de Lady Macbeth: el deseo como arma y su representación arquetípica
(2021) Larumbe Villarreal, Edurne
La bañera como motivo visual
(2019) de Favorecido Cons, Javier
Investigamos el papel de la bañera como motivo visual atraídos tanto por su recurrencia a lo largo de la historia del cine como por un manifiesto fuerte protagonismo en escena y riqueza expresiva, que incluso parece dotar al motivo de una mitología propia. Para ello, examinamos en primer lugar sus referentes pictóricos y después establecemos una categorización de distintas escenas en las que figuran bañeras agrupándolas en tres ejes principales: erótico, terrorífico e introspectivo.
Cuerpos bajo presión: el espectáculo del sufrimiento en el cine de catástrofe
(2021) Cordal García, Ariadna
¿A qué quedan reducidos los cuerpos en la catástrofe? Si partimos de Beck y Debord para analizar que nuestras sociedades se han vuelto sociedades del “riesgo” y del “espectáculo”, donde el desastre natural es motivo de exhibición en las representaciones cinematográficas, la reflexión sobre los cuerpos heroicos y las masas que deben atravesar situaciones difíciles despierta ideas interesantes sobre la identificación del espectador con su sufrimiento. La imaginación del desastre de Sontag guía estas ideas hacia el entendimiento de casos cinematográficos de ciencia- ficción especulativos y apocalípticos, desde Gojira a Children of Men.
Discursos del dominio masculino y la tecnología ante la crisis climática en el cine contemporáneo de Hollywood (o cómo rescatar la naturaleza).
(2021) Cordal García, Ariadna
A través de algunas de las cinematografías más relevantes del panorama contemporáneo estadounidense se descubren tendencias de dominación de la tecnología, sostenidas por la discriminación de género, que suponen graves consecuencias sobre la manera de negociar la comprensión de la naturaleza y que acaban por legitimarsu degradación. Esta discusión se vuelve pertinente en el género de ciencia ficción, y blockbusters como Avatar lo ejemplifican, pero también se canaliza en motivos específicos de “petro-masculinidad” que encarnan Mad Max o There Will Be Blood. Ante este análisis emerge una cuestión sobre la esencia de la máquina que se contrapone a la visión de autora de Kelly Reichardt, pues se acerca a una representación de la naturaleza más humilde y menos espectacular; prometedora con respecto a la misión concienciadora de las teorías ecocríticas del cine.
La ballena como motivo visual en el cine
(2019) Guardiola Rius, Adrià
A través de un repaso por la historia cultural de la ballena, este texto investiga las apariciones más representativas de la ballena entendida como motivo visual autónomo en la historia del cine. A través de un recorrido multidisciplinar, se abordan las relaciones ancestrales y las diferentes cosmogonías arcaicas, la ballena como concepto político desde Hobbes, el desarrollo de la ballena como producto industrial, las luchas culturales entorno a la caza y el imperialismo, la ballena como cadáver melancólico y el aspecto capitalista-ecológico contemporáneo.
El grano fílmico nostálgico
(2019) Guardiola Rius, Adrià
A través de un análisis crítico acerca del exceso de realismo achacado al cine digital en relación al celuloide, se procura comprender cómo el grano fílmico ha configurado el estatuto del Cine oficial y como ha devenido actualmente un índice de originalidad ante la generalización del píxel en el cine digital. Las relaciones entre técnica e ideología en el audiovisual contemporáneo dibujan nuevos retos meta-cinematográficos, entre los que predomina una creciente nostalgia analógica como mero fetiche de la mercancía y la originalidad en el capitalismo actual.
De la melancolía de la resistencia a las armonías de Werckmeister
(2020) Guardiola Rius, Adrià
A partir del análisis comparado entre la novela Melancolía de la resistencia de Lászlo Krasznahorkai y la propuesta fílmica Armonías de Werckmeister del director húngaro Béla Tarr indagaremos entorno a las relaciones intertextuales entre ambas obras y comentaremos este caso concreto de colaboración entre escritor y director de cine. Las escenas seleccionadas en las que se profundiza el análisis son las que se relacionan con la presencia del cadáver de la ballena a lo largo del relato.
De ballenas, turistas y progreso económico. De las Armonías de Werckmeister de Béla Tarr al NO-DO de Franco: mutaciones de la forma del cadáver de la ballena como símbolo político
(2019) Guardiola Rius, Adrià
Este texto investiga algunas de las relaciones políticas, estéticas e históricas desarrolladas subrepticiamente entre la película de ficción Armonías de Werckmeister de Béla Tarr y el suceso histórico documentado en el noticiario documental fascista español NO-DO, en el que se filmó la llegada de una gran ballena disecada a la ciudad de Madrid en junio de 1954. Partiendo del título que encabeza la sección del NO-DO en la que aparece la ballena —“Pintoresco y extraño”— se investigan ambas categorías estéticas y se relacionan por un lado, con el desarrollo capitalista del régimen franquista a partir de mitad de la década de 1950 en base al Estudio para la Ordenación Turística (y su manejo de lo pintoresco) y, por el otro, con la clásica noción de lo sublime (lo extraño).
El erotismo del cinematógrafo
(2019) Hoyos Morales, Alfonso
El presente trabajo pretende, desde el análisis de algunas escenas clave de Robert Bresson, iluminar lo que denominaremos carácter erótico del cinematógrafo cinematógrafo. Este concepto de erotismo vendrá precisado por algunas interpretaciones provenientes de la fenomenología francesa. La idea es precisar como el sistema que construye Bresson está encauzado a provocar el deseo de la mirada ante algo que nos invita al acercamiento pero que a la vez se nos oculta. Una vez expuesta la forma que tiene de desplegarse esta idea en varias escenas de dos películas a diferentes niveles: Au hasard Balthazar y Quatre nuits d’un rêveur, pasaremos a ver cómo se manifiesta en otro director como José Luis, centrándonos en su película En la ciudad de Sylvia

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